Ho sempre disegnato fin da bambina quindi non c’è un vero “perché” io abbia iniziato questa cosa, ma piuttosto tutta la mia vita fino ad ora è stata uno svolgere e approfondire nel tempo quello che mi piaceva fare durante l’infanzia, un consolidare e costruire via via negli anni ciò che per me è stato sempre il linguaggio preferenziale con cui esprimermi e rapportarmi con il mondo in generale.

Ci sono varie persone che dovrei citare per poter elencare i vari “sì” che ho detto per essere pittrice oggi, ma sicuramente uno dei più importanti è Adriano Bimbi, mio professore di quando facevo l’Accademia a Firenze. In quel periodo ho potuto vivere l’esperienza dell’arte in condivisione con altri ragazzi che come me volevano fare i pittori. Quindi cruciale è stato essere nel luogo e momento giusto dove fare crescere ed indirizzare come pensiero e lavoro questa mia inclinazione.

Ho scoperto il mio medium, che è la pittura ad olio, lavorando e dipingendo senza escludere nulla che potesse essere interessante per indagare un dato espressivo. Ad esempio,  nel caso dell’opera “Anima Dannata-Ophelia” ho sentito il bisogno di iniziare il quadro partendo dalla costruzione del corpo nello spazio della tela, ma al posto di usare il classico disegno, ho usato pezzi di carta incollati per arrivare ad una sintesi e forma in modo immediato, come se fosse luce.

Spesso faccio così anche con la pittura ad olio: i colori chiari e brillanti sono la luce alla base di tutto quello che poi sarà l’immagine del quadro.

Nel mio modo di procedere è la necessità espressiva che dirige la scelta del mezzo, la grande duttilità del colore ad olio lo rende il mio medium preferito.

Un po’ ho risposto nella domanda precedente perché il mezzo ed il fine sono strettamente collegati.

La cosa sicuramente più entusiasmante è trovarmi di fronte ad una tela bianca che sia grande o piccola: è la finestra di mondo dove posso costruire la mia immagine, che prende spazio e forma tramite linee e campiture.

Faccio molta attenzione alle trasparenze ed alle opacità che vanno a costruire l’immagine, appoggiandomi sulla forza dei colori che creano altrettante suggestioni e composizioni quanto la linea di un disegno.

L’ideale è far sposare il disegno lineare e il disegno di forme (campiture di colore). Questi due tipi di disegno appoggiandosi l’uno all’altro, sostenendosi o distanziandosi, fanno il loro gioco ed il quadro finale.

È importante orchestrare insieme tante differenze di tono, linea, forma, senso… per poi lasciare che l’immagine quasi in modo naturale emerga. La naturalezza dell’immagine, pur nella sua precisa e profonda costruzione, è segno per me di un buon quadro. Non si deve sentire la fatica del lavoro, ma più che altro una profonda, intensa, leggerezza.

Per aiutare tutto questo processo passo sempre dal disegno a matita su carta, poi talvolta traduco il segno tramite l’incisione dove inserisco elementi più morbidi e pittorici (tramite le innumerevoli tecniche pittoriche dell’incisione) e poi arrivo alla tela vera propria dove finalmente posso mettere insieme quanto ricavato.

I miei artisti preferiti sono Michelangelo, Masaccio, Gauguin, Peter Doig, Marlene Dumas, Matisse, Picasso, Munch, David Hockney, Cézanne.

Sicuramente di grande riferimento nella mia pittura sono Edward Munch per la sua sconvolgente e passionale drammaticità, tutta avvolta da questa sua luce violacea, fredda, appiccicosa e melensa; Paul Cézanne per la costruzione e per la sua volontà di mischiare sempre il cielo con la terra e infine il buon Henri Matisse per la sua grande gioia di vivere.