Sarah Barnett: “Il mio lavoro nasce da emozioni contrastanti che cerco di elaborare e poi trovare intuitivamente modi per visualizzare in modo concettuale. Le mie immagini, specifiche ma vaghe, riflettono una fascinazione radicata e una paura che ho del corpo.”
Sarah Elizabeth Barnett è una pittrice originaria del North Texas, attualmente residente e attiva nello Stato di Washington orientale. Sarah ha conseguito il BFA presso l’Università del North Texas (2018) e ha partecipato al Programma di Residenza Estiva per Studenti Undergraduate (SURP) alla New York Academy of Art nel 2018. Ha ottenuto il suo MFA (2022) presso la Washington State University. Sarah ha esposto a livello nazionale ed è stata destinataria del premio Artist Trust Fellowship Award nel 2023. Pittrice devota all’olio con una formazione nel disegno di figura, le opere di Sarah sono altamente rappresentative e fortemente distorte, con temi che ruotano attorno alla mortalità, autoconservazione, il corpo umano e la tecnologia. Attualmente è rappresentata dalla Gallery110 di Seattle, WA. Oltre alla sua pratica in studio, lavora come insegnante d’arte a livello universitario, mentore privato d’arte, e si impegna attivamente nella sua comunità come manager di progetti d’arte pubblica per un’organizzazione no-profit locale dedicata alle arti.
Come e perché hai iniziato la tua carriera artistica?
Ho iniziato a perseguire seriamente una carriera artistica durante il mio soggiorno in residenza presso la New York Academy of Art, nell’estate del 2018. Qui, ho acquisito solide basi nel disegno anatomico, nella pittura e nella scultura, oltre a una fondamentale comprensione delle pratiche professionali in studio e dell’immenso lavoro richiesto. Fu anche la mia prima esperienza di vita e lavoro a New York, e rimasi così ispirata e affascinata dalla vastità di opere d’arte e artisti di alto calibro che mi circondavano. Mi aprì gli occhi e la mente a nuove possibilità e modi di percepire l’arte in generale. Questa esperienza mi ha resa più consapevole di me stessa come artista in erba e mi ha spinta a voler migliorare, a stabilire obiettivi più grandi per il mio lavoro, la mia formazione, la mia traiettoria di carriera e la mia crescita personale. Credo che fu in quel momento che iniziai anche a vedere e coltivare meglio il mio processo creativo; il modo unico in cui vedo e rappresento frammenti del mondo.
Come hai scoperto il tuo medium e perché lo hai scelto?
Ho scoperto un’apprezzamento più profondo per la pittura ad olio durante i miei studi universitari presso l’Università del North Texas, dove mi sono laureata nel 2018. Prima di allora, la pittura non mi era mai piaciuta, nonostante fossi una disegnatrice assidua fin da bambina. Durante il liceo e all’inizio del college, ho realizzato molti ritratti commissionati e ritratti di animali domestici, principalmente in grafite e matita colorata. La miscelazione con le matite colorate mi ha portata ad amare il lavoro con il colore, il che mi ha spinta a esplorare gli acquerelli, poi gli acrilici e infine gli oli. Ero sicura dei miei disegni, ma il mio primo corso universitario di pittura ha messo alla prova questa sicurezza. La difficoltà che ho trovato nell’uso degli oli era inizialmente così frustrante e travolgente, tuttavia, più lavoravo semplicemente sentendo il processo stesso e cercando di mettere da parte le aspettative, più piacevole diventava la sfida della pittura. Con molta pazienza, ho scoperto che il grado di controllo, la profondità del colore e le possibilità di miscelazione, applicazione e stratificazione erano tutti aspetti incredibilmente gratificanti degli oli. Ora la pittura per me è diventata una passione appagante, e un processo meditativo e catartico.
Puoi parlarci del tuo processo creativo? Come nasce il tuo lavoro? Quanto tempo impieghi per creare un’opera? Quando sai che è finita?
Creativamente, attingo da interessi in anatomia, scienza, fantascienza, cinema, letteratura e dipinti barocchi. Il mio lavoro nasce da emozioni contrastanti che cerco di elaborare per poi trovare intuitivamente modi per visualizzare in modo concettuale. Le mie immagini, specifiche ma vaghe, riflettono una fascinazione radicata e una paura che ho del corpo. Provenendo da una famiglia con molti medici e infermieri, ricordo vividamente da bambina di essere stata completamente assorta nei libri di testo medici che erano intorno a me. Sfogliando le pagine, provavo un mix strano di sentimenti intensi guardando ciò che avrebbe dovuto essere la cosa più familiare per me, ma che invece erano queste immagini bellissime bizzarre, grottesche e spesso spaventose. Questa esperienza è una delle fonti principali per la mia arte. Provenendo da un background religioso, anche questo ha avuto un impatto duraturo sul mio lavoro, sebbene più inconsciamente. In termini di temi, il mio lavoro riflette su relazioni conflittuali tra esseri umani e tecnologia; sul ruolo della tecnologia nella conservazione della vita, nella mortalità e nel nostro desiderio di dare un senso al mondo. Ogni mio quadro esplora ulteriormente le connessioni tra visione, simulazione, il corporeo e l’inquietante. La distorsione è qualcosa che sento la necessità di enfatizzare, e i miei dipinti sono mantenuti ambigui per lasciare più spazio all’interpretazione. A parte come fisicamente dipingo, non ho una metodologia dietro la creazione delle mie immagini. Lavoro con una varietà di riferimenti, tra cui collage digitali, fotografie, immagini trovate, nature morte e sculture, e oggetti raccolti che mi interessano, come attrezzature mediche vintage o lavori in vetro scientifico. Per la maggior parte dei miei pezzi, ogni elemento viene prima costruito con illuminazione, messa in scena, oggetti di scena o modelli, fotografato e poi dipinto. Ogni quadro presenta le proprie sfide nello stratificare, simulare la texture e cercare di trasmettere il giusto umore. La giustapposizione delle mie immagini e del modo in cui le dipingo – creando superfici morbide o lisce, usando colori vivaci e dettagli – è intesa a creare tensione. Questa tensione è ciò che voglio che gli spettatori provino guardando il mio lavoro, da vicino e da lontano. Voglio che questa dinamica di spinta e trazione faccia pensare, sentire e interrogare le persone, e guardare oltre le illusioni stesse. In termini di tempo in studio, lavoro per diverse ore nella maggior parte dei giorni della settimana, e sono più creativa di notte. Attualmente sono un’istruttrice di livello universitario e dedico il mio tempo rimanente alla mia pratica artistica. Per la maggior parte, lavoro molto lentamente e meticolosamente. Alcuni pezzi richiedono due o tre mesi per essere completati, ma la maggior parte li finisco in circa un mese. Non c’è un punto definitivo di completamento per me; decido quando sento che è giusto e sono pronta a passare a qualcosa di nuovo. Sto anche imparando a fidarmi del processo. Il mio studio è dove mi sento più sicura in questo, e dove sento di appartenere. Il mio studio è uno spazio in cui posso immergermi completamente nella mia mente e sentirmi libera.
Chi sono i tuoi artisti preferiti? Da chi trai ispirazione?
Sono sempre stata ispirata artisticamente dall’arte barocca e dai dipinti dell’era d’oro olandese, includendo naturalmente pittori come Gentileschi, Caravaggio, Rembrandt e Vermeer. Il loro uso della luce e della composizione per generare intensa emozione mi ispirerà sempre. I miei primi lavori ad olio citavano direttamente gli stili di questi pittori, e ho studiato il loro lavoro nel dettaglio. Alcuni pittori moderni e contemporanei che mi influenzano sono Jenny Saville, Francis Bacon, Danica Lundy, Lola Gil, Wendelin Wohlgemuth, Jessie Mockrin e Marilyn Minter. Sono anche ispirata da diversi artisti interdisciplinari che esplorano il corpo, l’arte e la tecnologia, come Mona Hatoum, Hito Steyerl, Trevor Paglan e Egor Kraft.
FEATURED WORKS
